finalazo de El Libro de Piedra, de Taboada (1969), clásico del terror mejicano aunque le faltan medios para ser algo más inquietante y va un poco justa en argumento, aparte de ser una peli rodada en un chalet.
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Películas que vais viendo en casita
- Autor Magnolia
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nogales
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Upperseven
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ELLA Y EL MIEDO (1964 -Leon Klimowsky)
Cruce entre thriller y cine negro rodado con bastante soltura con un Leon Klimowsky que aún no ejercía de artesano al servicio del fantaterror patrio. Por lo general película de buena factura y un planteamiento argumental curioso que poco a poco se va hacia lo convencional, con su protagonista, ex-cabaretera (May Heatherly) a punto de casarse e irse al pueblo con su marido, deviene involuntariamente testigo ocular de un asesinato y posteriormente se ve acosada por el asesino (por cierto, un actor bastante reconocible en su aparición final)...Film que funciona especialmente bien cuando se acerca al thriller y al noir, gracias al notable trabajo de atmósfera que sirven fotografía y encuadres de Manuel Hernández Sanjuán
Cruce entre thriller y cine negro rodado con bastante soltura con un Leon Klimowsky que aún no ejercía de artesano al servicio del fantaterror patrio. Por lo general película de buena factura y un planteamiento argumental curioso que poco a poco se va hacia lo convencional, con su protagonista, ex-cabaretera (May Heatherly) a punto de casarse e irse al pueblo con su marido, deviene involuntariamente testigo ocular de un asesinato y posteriormente se ve acosada por el asesino (por cierto, un actor bastante reconocible en su aparición final)...Film que funciona especialmente bien cuando se acerca al thriller y al noir, gracias al notable trabajo de atmósfera que sirven fotografía y encuadres de Manuel Hernández Sanjuán
Upperseven
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LAS VACACIONES DE Mr. BEAN (Mr Bean´s Holidays, 2007 -Steve Bendelack)
Secuela o continuación de "Bean" y para mi gusto un producto claramente superior a la primera película, porque en esta ocasión ya juega descaradamente al gag físico y visual, tomando como excusa las vacaciones del excéntrico personaje creado por Rowan Atkinson por la geografía francesa para construir una trama en la que la sucesión de momentos humorísticos está más equilibrada ...Con algunos momentos antológicos en un film que hará las delicias de los fans de este actor/personaje
Secuela o continuación de "Bean" y para mi gusto un producto claramente superior a la primera película, porque en esta ocasión ya juega descaradamente al gag físico y visual, tomando como excusa las vacaciones del excéntrico personaje creado por Rowan Atkinson por la geografía francesa para construir una trama en la que la sucesión de momentos humorísticos está más equilibrada ...Con algunos momentos antológicos en un film que hará las delicias de los fans de este actor/personaje
Harkness_666
Son cuatro
Edvard Munch, de Peter Watkins
Rara mezcla de drama biográfico y de documental sobre un artista clave del siglo XIX, empeñado en la representación pictórica del alma, de las regiones interiores y turbias del hombre antes que de la mera apariencia externa, precursor de vanguardias y detestado por la crítica y el público bienpensante. Herido por duras experiencias infantiles, relacionadas con la tuberculosis y la pérdida de su madre y hermana, durante su vida mantuvo relaciones de amor-odio con las mujeres… todo ello le convierte en un genio torturado de manual, pintor de la soledad, la angustia y la incomunicación humana, de estados mentales convulsos (los suyos propios) antes que de realidades concretas y acabadas.
Mediante recursos que aproximarían la propuesta a un primitivo falso documental, tales como zooms, entrevistas (con los personajes) y miradas a cámara, o un tratamiento del off como de documental puro y duro, este director británico parece querer distanciarse del mero biopic, como reflexionando a partir de lo audiovisual sobre el propio género y la reconstrucción histórica de un período: cada año que transcurre es citado haciendo mención de hechos relevantes que tuvieron lugar (sin aparente conexión con Munch), como en un afán por encuadrar y contextualizar a toda costa al autor de El grito. Se destaca el retrato de las condiciones sociales y económicas de su Cristiania natal (datos muy chungos sobre prostitución y trabajo infantil), del mundillo bohemio de librepensadores, con las tensiones entre conservadurismo y nuevas corrientes de pensamiento que anticipan los movimientos socialistas, feministas, etc. que son reprimidas por la autoridad… las relaciones conflictivas entre los sexos, el desengaño de una feliz utopía que encarna ese otro nórdico cabrón que es el dramaturgo Strindberg (se juntan el hambre y las ganas de comer en cuanto a misoginia galopante) tienen especial peso en un film megalómano, vanguardista, que se extiende hasta las más de tres horas de duración.
Si este trayecto vital es contado linealmente y se detiene de forma algo interruptus (casi como inventándose su final), el montaje se convierte en un caótico, fragmentado cúmulo de impresiones, funcionando por asociación de ideas, moviéndose entre distinos tiempos y lugares… lo mismo ocurre con el montaje sonoro, pues diálogos, ruidos ambientales, etc. en ocasiones no se corresponden con lo que vemos en pantalla (con irónico efecto). Cual estribillo machachón acuden una y otra vez las mismas (sórdidas) imágenes de niñez, de adolescencia (la presencia de la muerte, otro tema básico en Munch) a modo de obsesivos traumas… y así acaba llegando la peli a un nivel de confusión y repetición que puede jugar en contra. Todo un conjunto de estrategias narrativas que buscan, entiendo, emular lo volátil de la pintura del biografiado, con tal de plasmar mejor su espíritu y el de su tiempo. Recibe atención el proceso de creación, sus técnicas y materiales, cómo evolucionan, aunque la base de su inspiración tampoco es que varíe. El actor protagonista comunica más con sus continuas miradas a cámara que con palabras, y los demás son intérpretes no profesionales, algunos parece que gente normal, ofreciendo su propia opinión (a menudo negativa) sobre la obra del noruego.
Ardua (por qué no decirlo) por su extensión y aspectos poco convencionales, una crónica pese a todo fascinante de una época, que trasciende a su figura central para hablar de arte, política, historia, pensamiento y la relación entre todo ello.
Rara mezcla de drama biográfico y de documental sobre un artista clave del siglo XIX, empeñado en la representación pictórica del alma, de las regiones interiores y turbias del hombre antes que de la mera apariencia externa, precursor de vanguardias y detestado por la crítica y el público bienpensante. Herido por duras experiencias infantiles, relacionadas con la tuberculosis y la pérdida de su madre y hermana, durante su vida mantuvo relaciones de amor-odio con las mujeres… todo ello le convierte en un genio torturado de manual, pintor de la soledad, la angustia y la incomunicación humana, de estados mentales convulsos (los suyos propios) antes que de realidades concretas y acabadas.
Mediante recursos que aproximarían la propuesta a un primitivo falso documental, tales como zooms, entrevistas (con los personajes) y miradas a cámara, o un tratamiento del off como de documental puro y duro, este director británico parece querer distanciarse del mero biopic, como reflexionando a partir de lo audiovisual sobre el propio género y la reconstrucción histórica de un período: cada año que transcurre es citado haciendo mención de hechos relevantes que tuvieron lugar (sin aparente conexión con Munch), como en un afán por encuadrar y contextualizar a toda costa al autor de El grito. Se destaca el retrato de las condiciones sociales y económicas de su Cristiania natal (datos muy chungos sobre prostitución y trabajo infantil), del mundillo bohemio de librepensadores, con las tensiones entre conservadurismo y nuevas corrientes de pensamiento que anticipan los movimientos socialistas, feministas, etc. que son reprimidas por la autoridad… las relaciones conflictivas entre los sexos, el desengaño de una feliz utopía que encarna ese otro nórdico cabrón que es el dramaturgo Strindberg (se juntan el hambre y las ganas de comer en cuanto a misoginia galopante) tienen especial peso en un film megalómano, vanguardista, que se extiende hasta las más de tres horas de duración.
Si este trayecto vital es contado linealmente y se detiene de forma algo interruptus (casi como inventándose su final), el montaje se convierte en un caótico, fragmentado cúmulo de impresiones, funcionando por asociación de ideas, moviéndose entre distinos tiempos y lugares… lo mismo ocurre con el montaje sonoro, pues diálogos, ruidos ambientales, etc. en ocasiones no se corresponden con lo que vemos en pantalla (con irónico efecto). Cual estribillo machachón acuden una y otra vez las mismas (sórdidas) imágenes de niñez, de adolescencia (la presencia de la muerte, otro tema básico en Munch) a modo de obsesivos traumas… y así acaba llegando la peli a un nivel de confusión y repetición que puede jugar en contra. Todo un conjunto de estrategias narrativas que buscan, entiendo, emular lo volátil de la pintura del biografiado, con tal de plasmar mejor su espíritu y el de su tiempo. Recibe atención el proceso de creación, sus técnicas y materiales, cómo evolucionan, aunque la base de su inspiración tampoco es que varíe. El actor protagonista comunica más con sus continuas miradas a cámara que con palabras, y los demás son intérpretes no profesionales, algunos parece que gente normal, ofreciendo su propia opinión (a menudo negativa) sobre la obra del noruego.
Ardua (por qué no decirlo) por su extensión y aspectos poco convencionales, una crónica pese a todo fascinante de una época, que trasciende a su figura central para hablar de arte, política, historia, pensamiento y la relación entre todo ello.
Upperseven
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RANGO (2011 -Gore Verbinski)
Extraña y a ratos fascinante propuesta de animación surgida fuera del ámbito de Pixar obra de un director que siempre me parece interesante e imprevisible como Gore Verbinski. El film nada menos que un spaghetti western puro y duro, utiliza los personajes animales (en este caso reptiles, encabezados por el camaleón que da título al film) para construir una fábula sobre la codicia, con bastante humor y detalles de mala baba...El resultado en muy divertido, brillante en ocasiones y sobretodo fuera de lo convencional...Siendo eso si, un film que creo gustará al público más adulto y menos al infantil
Extraña y a ratos fascinante propuesta de animación surgida fuera del ámbito de Pixar obra de un director que siempre me parece interesante e imprevisible como Gore Verbinski. El film nada menos que un spaghetti western puro y duro, utiliza los personajes animales (en este caso reptiles, encabezados por el camaleón que da título al film) para construir una fábula sobre la codicia, con bastante humor y detalles de mala baba...El resultado en muy divertido, brillante en ocasiones y sobretodo fuera de lo convencional...Siendo eso si, un film que creo gustará al público más adulto y menos al infantil
Upperseven
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CAUTIVOS DEL MAL (The Bad And The Beautyfull, 1952 -Vincente Minelli)
Memorable melodrama , sin duda una de las cumbres del género en la década de los cincuenta, y que es casi un film complementario a "Eva Al Desnudo" en su retrato descarnado de las glorias y miserias (Lo malo y lo bonito de su título original) del mundo del cine, aquí narrando la historia de amores, traiciones y odios entre un grupo de artistas en el Hollywood de los años 50. Con una estructura narrativa muy original, en la que tres diferentes personajes: "La actriz" (Lana Turner), "El director" (Barry Sullivan) y "el guionista" (Dick Powell) narran su experiencia frente a un tiránico y despiadado productor (inmenso Kirk Douglas) que los utilizó para llegar a la cima...En un conjunto de grandes momentos cinematográficos (Ayuda la bso de David Raksin con una de las melodías más largas y bellas que recuerdo), en los que se aprecia la grandeza de un Vincente Minelli que rodaba con dinámica elegancia las escenas. Clasicazo
Memorable melodrama , sin duda una de las cumbres del género en la década de los cincuenta, y que es casi un film complementario a "Eva Al Desnudo" en su retrato descarnado de las glorias y miserias (Lo malo y lo bonito de su título original) del mundo del cine, aquí narrando la historia de amores, traiciones y odios entre un grupo de artistas en el Hollywood de los años 50. Con una estructura narrativa muy original, en la que tres diferentes personajes: "La actriz" (Lana Turner), "El director" (Barry Sullivan) y "el guionista" (Dick Powell) narran su experiencia frente a un tiránico y despiadado productor (inmenso Kirk Douglas) que los utilizó para llegar a la cima...En un conjunto de grandes momentos cinematográficos (Ayuda la bso de David Raksin con una de las melodías más largas y bellas que recuerdo), en los que se aprecia la grandeza de un Vincente Minelli que rodaba con dinámica elegancia las escenas. Clasicazo
Upperseven
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LA HISTORIA INTERMINABLE (The Neverending Story, 1984 -Wolfgang Petersen)
Exitosa -a nivel comercial- adaptación de la novela de Michael Ende en la que en realidad lo que se hizo fue utilizar solo algunas partes del libro (mucho más extenso) y hacer un film destinado al público infantil de los años 80 que respondió masivamente a la propuesta. La película funciona de modo más o menos correcto, a pesar de que se ve envejecida en algunos tramos, pero se mantiene intacto el impacto de los efectos mecánicos de Brian Johnson, con un espectacular diseño de criaturas...En un producto muy de su tiempo y que tras "Enemy Mine" y permitió a Wolfgang Petersen afianzarse en su escalada comercial con la que pretendía (y consiguió) llegar al cine americano
Exitosa -a nivel comercial- adaptación de la novela de Michael Ende en la que en realidad lo que se hizo fue utilizar solo algunas partes del libro (mucho más extenso) y hacer un film destinado al público infantil de los años 80 que respondió masivamente a la propuesta. La película funciona de modo más o menos correcto, a pesar de que se ve envejecida en algunos tramos, pero se mantiene intacto el impacto de los efectos mecánicos de Brian Johnson, con un espectacular diseño de criaturas...En un producto muy de su tiempo y que tras "Enemy Mine" y permitió a Wolfgang Petersen afianzarse en su escalada comercial con la que pretendía (y consiguió) llegar al cine americano
cromwell
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@Upperseven vas a un ritmo de una a dos pelis por día.... (no se que decir)
Me leo tus comentarios y ya me quedo
A mí últimamente no se que me pasa que no aguanto mas de diez minutos delante de la tele.
Me leo tus comentarios y ya me quedo
A mí últimamente no se que me pasa que no aguanto mas de diez minutos delante de la tele.
Yo tambien trato de llevar ritmo de una al dia... pero lo de escribir reseñas para cada una me da PEREZON... a no ser que vea algo que me llame mucho o descubra una gema oculta... por ejemplo ayer me vi Big Brown Eyes y aunque esta bien tampoco me dejo con la boca abierta... buenos diálogos, rapidos como metralletas en la fiel tradicion screwball comedy pero un final un tanto abrupto y estupido me dejo un poco insatisfecho...
Con lo que si estoy gozando como gorrino en charca es con Twilight Zone (la original) ya voy por la temporada 3... el dia que la acabe me va a dar un flus...
Conclusion digno de elogio lo de @Upperseven
Con lo que si estoy gozando como gorrino en charca es con Twilight Zone (la original) ya voy por la temporada 3... el dia que la acabe me va a dar un flus...
Conclusion digno de elogio lo de @Upperseven
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Upperseven
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A ver, con la mierda de Tv que hay en los ultimos años...Una peli al día no es nada complicado creo yo
Por cierto, pincha aquí y están reseñados
scoreexperience.blogspot.com
Por cierto, pincha aquí y están reseñados
EL DEVORADOR DE PELIS
Breves Críticas de visionado cinematográfico y telefílmico
scoreexperience.blogspot.com
Upperseven
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EN BUSCA DEL DRAGÓN DORADO (1983 -Jess Franco)
Paupérrima versión particular de "El escarabajo de oro" de Edgar Allan Poe perpetrada por Jess Franco en una producción barata, rodada con exteriores en Elche y Tarragona. Protagonizada por dos niños, por lo demás la típica realización del director en aquellos años: el metraje alargado y algunos chistes que van deambulando de vez en cuando .
Paupérrima versión particular de "El escarabajo de oro" de Edgar Allan Poe perpetrada por Jess Franco en una producción barata, rodada con exteriores en Elche y Tarragona. Protagonizada por dos niños, por lo demás la típica realización del director en aquellos años: el metraje alargado y algunos chistes que van deambulando de vez en cuando .
Mensch Maschine
Santur
Ya sé que Jesús Franco usó varios seudónimos a lo largo de su carrera, pero ya en los 80 resulta un poco raro...
Edito: ya veo que sólo en el 83 firmó 11 pelis nada menos
, está claro que no quería que le gastaran el nombre en los créditos.
Un saludete.
Edito: ya veo que sólo en el 83 firmó 11 pelis nada menos
, está claro que no quería que le gastaran el nombre en los créditos. Un saludete.
Ropit
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Yo creo que la comedia de Walsh en los 30 es un poco diferente a la screwball de Capra/Cukor/Hawks que son más alocadas, tienen más estructura de cuento y suelen tocar las clases altas. Tanto esta como Me and my Gal, Under Pressure o The Bowery tienen un fondo realista, con protagonistas y descripciones de la clase obrera. Está claro que coinciden con el ritmo y los diálogos, pero es que las películas de Walsh van a toda hostia muchas veces, tiene ese registro (también el melodrama reposado cuando quiere) y lo usa con muchos géneros diferentes.
El ritmo y diálogos a toda leche no me molesta en absoluto ya te digo...y lo de estar ambientada en un ambiente más proletario también lo agradezco (proletario entre comillas, siguen siendo películas ambientadas en hoteles de lujo y gente vestida impecablemente) pero vamos al menos en esta quedan retratado los curritos, todas la razón también.
Mi "decepción" viene por una resolución facilona, rápida... casi que contada con desgana... vamos que se molestan en construir algo durante la película y es como si llegado un momento dijesen "la peli se tiene que acabar que la gente se aburre"... la indefinición tonal tampoco ayuda que en una supuesta "comedia" te metan como matan a un bebe a balazos... ejem... te deja cuanto menos ojiplatico. Supongo que es lo que tiene mezclar el cine de gangsters con la comedia... pero no creo que la mezcla esté bien conseguida del todo.
En cualquier caso siempre es un placer ver a Cary Grant y a Joan Bennet disparar replicas y contrareplicas en modo metralleta, esas puyas no se ven ahora en las comedias romanticas ni por asomo.
Unpregnant (2020).................................... 8
Una notable road movie adolescente
Mi comentario:
Dirigida por Rachel Lee Goldenberg (Valley Girl) y producida, entre otros, por Greg Berlanti y Sarah Schechter, nos encontramos con una notable road movie protagonizada por dos jóvenes actrices: Haley Lu Richardson (A dos metros de ti) y Barbie Ferreira (vista en la serie Euphoria). La trama bien podría estar basada en una historia real, pero, según parece, está basada en un libro escrito por Jenni Hendriks, que además ha ayudado en el desarrollo y en la creación del libreto.
Veronica es una chica de 17 años que descubre estar embarazada, y para no contárselo a sus devotos padres decide llamar a una vieja amiga del instituto para que la acompañe en su viaje por carretera hasta la ciudad de Albuquerque. ¿La razón? Será mejor que veáis el film y os daréis cuenta. Durante este viaje, las dos chicas, sin quererlo ni beberlo, vivirán algunas aventuras y situaciones inesperadas. Richardson y Fereira tienen buen carisma y se nota que hay muy buena química entre ellas. Digamos que son las que llevan el peso fuerte de la función. Arriba he comentado que algunos de los productores son Berlanti y Schechter, y es que no tenía ni idea, me he enterado de ello mientras leía los créditos finales. Y tiene un buen surtdo de canciones para amenizar ese viaje, una de ellas me ha enganchado: Since U Been Gone interpretada por Kelly Clarkson.
Pues eso, que son algo más de cien minutos de metraje que, aunque no sea un blockbuster, consiguen hacerte pasar un muy buen rato, ya la veas solo o en compañía. Mi nota final es de 8/10.
Una notable road movie adolescente
Mi comentario:
Dirigida por Rachel Lee Goldenberg (Valley Girl) y producida, entre otros, por Greg Berlanti y Sarah Schechter, nos encontramos con una notable road movie protagonizada por dos jóvenes actrices: Haley Lu Richardson (A dos metros de ti) y Barbie Ferreira (vista en la serie Euphoria). La trama bien podría estar basada en una historia real, pero, según parece, está basada en un libro escrito por Jenni Hendriks, que además ha ayudado en el desarrollo y en la creación del libreto.
Veronica es una chica de 17 años que descubre estar embarazada, y para no contárselo a sus devotos padres decide llamar a una vieja amiga del instituto para que la acompañe en su viaje por carretera hasta la ciudad de Albuquerque. ¿La razón? Será mejor que veáis el film y os daréis cuenta. Durante este viaje, las dos chicas, sin quererlo ni beberlo, vivirán algunas aventuras y situaciones inesperadas. Richardson y Fereira tienen buen carisma y se nota que hay muy buena química entre ellas. Digamos que son las que llevan el peso fuerte de la función. Arriba he comentado que algunos de los productores son Berlanti y Schechter, y es que no tenía ni idea, me he enterado de ello mientras leía los créditos finales. Y tiene un buen surtdo de canciones para amenizar ese viaje, una de ellas me ha enganchado: Since U Been Gone interpretada por Kelly Clarkson.
Pues eso, que son algo más de cien minutos de metraje que, aunque no sea un blockbuster, consiguen hacerte pasar un muy buen rato, ya la veas solo o en compañía. Mi nota final es de 8/10.
Harkness_666
Son cuatro
Platform, de Jia Zhangke
A medida que avanza la liberalización económica en China durante los años 80, un grupo de teatro patriótico acaba convertido en una extraña y decadente orquesta de baile y música pop-rock en continua gira por los pueblos del interior.
Crónica del devenir reciente de un país en la que se funden lo colectivo y lo personal, en concreto los escarceos de dos parejas de jóvenes que se debaten entre las promesas de una modernidad que llega, en forma de música, modas de vestir, tecnología (la electricidad de zonas rurales, los radiocasettes, las vías del ferrocarril)… y el peso de la familia, así como la mirada vigilante del estado (pena de muerte, moralidad pública, política del hijo único). Parece que sus sentimientos son tan inestables, tan poco definidos, como la realidad social en que les ha tocado moverse, en una película sumamente antonioniesca, en el sentido de una narración que avanza, pero a la deriva, con fugas narrativas hacia la nada (unos gritos al vacío, una pequeña hoguera en medio de la inmensidad del desierto), silencios, ciertos instantes líricos subrayados por un único tema musical no diegético… un lenguaje visual, por otra parte, bastante acertado para hablar de lo que se habla.
El director da forma a grandes encuadres que capturan la enormidad de un paisaje muy variado, entre montañas, desiertos, aldeas, que envuelve por completo a sus criaturas (como “centro” físico del film, la ciudad de Fenyang, medio ruinosa y rodeada por murallas). Se luce con planos fijos y recargados, con cierto estatismo que le hace mover suavemente la cámara de forma puntual y significativa. El contexto, los detalles, son lo que marcan el paso del tiempo (una década). La representación, en forma de teatro y actuaciones musicales, participa de cierto espectáculo irreal en el que se anulan las ortodoxias… mientras que alguna secuencia (como la de una visita al médico) parece insinuar más de lo aparente (¿un aborto?). Sin una denuncia explícita, ciertas cosas como la visita a los “parientes pobres” de la mina denotan desigualdades, también las ilusiones frustradas de una generación que acaba presa de un estancamiento (cual transformación “gatopardesca” de la nación), de una comodidad de la que no pueden escapar (la calle abierta por una zanja, que sigue exactamente igual años después)… la llama de la esperanza convertida en matrimonio, niño y cocina de gas.
A medida que avanza la liberalización económica en China durante los años 80, un grupo de teatro patriótico acaba convertido en una extraña y decadente orquesta de baile y música pop-rock en continua gira por los pueblos del interior.
Crónica del devenir reciente de un país en la que se funden lo colectivo y lo personal, en concreto los escarceos de dos parejas de jóvenes que se debaten entre las promesas de una modernidad que llega, en forma de música, modas de vestir, tecnología (la electricidad de zonas rurales, los radiocasettes, las vías del ferrocarril)… y el peso de la familia, así como la mirada vigilante del estado (pena de muerte, moralidad pública, política del hijo único). Parece que sus sentimientos son tan inestables, tan poco definidos, como la realidad social en que les ha tocado moverse, en una película sumamente antonioniesca, en el sentido de una narración que avanza, pero a la deriva, con fugas narrativas hacia la nada (unos gritos al vacío, una pequeña hoguera en medio de la inmensidad del desierto), silencios, ciertos instantes líricos subrayados por un único tema musical no diegético… un lenguaje visual, por otra parte, bastante acertado para hablar de lo que se habla.
El director da forma a grandes encuadres que capturan la enormidad de un paisaje muy variado, entre montañas, desiertos, aldeas, que envuelve por completo a sus criaturas (como “centro” físico del film, la ciudad de Fenyang, medio ruinosa y rodeada por murallas). Se luce con planos fijos y recargados, con cierto estatismo que le hace mover suavemente la cámara de forma puntual y significativa. El contexto, los detalles, son lo que marcan el paso del tiempo (una década). La representación, en forma de teatro y actuaciones musicales, participa de cierto espectáculo irreal en el que se anulan las ortodoxias… mientras que alguna secuencia (como la de una visita al médico) parece insinuar más de lo aparente (¿un aborto?). Sin una denuncia explícita, ciertas cosas como la visita a los “parientes pobres” de la mina denotan desigualdades, también las ilusiones frustradas de una generación que acaba presa de un estancamiento (cual transformación “gatopardesca” de la nación), de una comodidad de la que no pueden escapar (la calle abierta por una zanja, que sigue exactamente igual años después)… la llama de la esperanza convertida en matrimonio, niño y cocina de gas.
La caravana del mal (The toybox)(2018)
Pelicula que traslada el tema de casa maldita a una caravana, y como comprobareis por el titulo original, en algun idioma toybox debe significar caravana maldita. Creo que jamas entendere quien traduce o pone los titulos a las peliculas.
A lo que vamos, la pelicula trata de una familia que decide hacer un viaje en la caravana que el abuelo se ha agenciado para unir lazos. El aspecto de la caravana da una confianza absoluta de fiabilidad, salvo claro, que esta maldita. En fin, en el elenco protagonista se encuentran Denise "muñeca de cera" Richards, y Mischa Barton que protagonizo una serie que jamas vi y se decia que tendria algo de futuro en esto del cine. Actuaciones totalmente inexpresivas que dejarian a Steven Seagal como candidato a un oscar. Como suele ser habitual en este tipo de pelis las decisiones-acciones que tomen seran casi siempre absurdas. Todas, excepto la tomada por el perro de la familia que sera la unica decision inteligente que veremos. Ademas de tener a un personaje que parece sacado de Muchachada Nui.
Pelicula absolutamente terrible de principio a fin, que espero que jamas tengais que perder 95 minutos de vuestras vidas con esto. Imagino que Denise Richards se apunto para poder pagar el botox y la Mischa Burton para poder comer.
Pelicula que traslada el tema de casa maldita a una caravana, y como comprobareis por el titulo original, en algun idioma toybox debe significar caravana maldita. Creo que jamas entendere quien traduce o pone los titulos a las peliculas.
A lo que vamos, la pelicula trata de una familia que decide hacer un viaje en la caravana que el abuelo se ha agenciado para unir lazos. El aspecto de la caravana da una confianza absoluta de fiabilidad, salvo claro, que esta maldita. En fin, en el elenco protagonista se encuentran Denise "muñeca de cera" Richards, y Mischa Barton que protagonizo una serie que jamas vi y se decia que tendria algo de futuro en esto del cine. Actuaciones totalmente inexpresivas que dejarian a Steven Seagal como candidato a un oscar. Como suele ser habitual en este tipo de pelis las decisiones-acciones que tomen seran casi siempre absurdas. Todas, excepto la tomada por el perro de la familia que sera la unica decision inteligente que veremos. Ademas de tener a un personaje que parece sacado de Muchachada Nui.
Pelicula absolutamente terrible de principio a fin, que espero que jamas tengais que perder 95 minutos de vuestras vidas con esto. Imagino que Denise Richards se apunto para poder pagar el botox y la Mischa Burton para poder comer.
Mensch Maschine
Santur
A la caza (William Friedkin, 1980)
Friedkin cierra aquí su etapa de gloria cinematográfica (aunque aún le quedaría por ofrecer algún título interesante) con este extraño e imperfecto pero memorable thriller construido con elementos de toda su obra setentera: el trasfondo gay de 'Boys on the band', el realismo decrépito de 'French Connection', el tremendismo de 'El exorcista', y el retrato de almas torturadas en descomposición de 'Carga Maldita'. Y por encima de todo, la principal marca de autor de Friedkin a nivel temático: la difusa línea entre ser un héroe o un villano, llevando aquí al extremo dicha ambigüedad. Por tanto, nos encontramos ante una obra un tanto laberíntica donde todo y nada es lo que parece, de esas donde al final se dejan deliberadamente abiertas todas las incógnitas sobre los hechos acaecidos en el film, pero sin sentirnos defraudados en ningún momento. Más bien al contrario, finalizamos el visionado estimulados para usar nuestro coco en rellenar todos esos espacios vacíos que se han ido acumulando a lo largo de los 100 minutos de metraje.
En definitiva, un clásico quizá menor, pero que conserva su fuerza aún 40 años después de su estreno.
Un saludete.
Friedkin cierra aquí su etapa de gloria cinematográfica (aunque aún le quedaría por ofrecer algún título interesante) con este extraño e imperfecto pero memorable thriller construido con elementos de toda su obra setentera: el trasfondo gay de 'Boys on the band', el realismo decrépito de 'French Connection', el tremendismo de 'El exorcista', y el retrato de almas torturadas en descomposición de 'Carga Maldita'. Y por encima de todo, la principal marca de autor de Friedkin a nivel temático: la difusa línea entre ser un héroe o un villano, llevando aquí al extremo dicha ambigüedad. Por tanto, nos encontramos ante una obra un tanto laberíntica donde todo y nada es lo que parece, de esas donde al final se dejan deliberadamente abiertas todas las incógnitas sobre los hechos acaecidos en el film, pero sin sentirnos defraudados en ningún momento. Más bien al contrario, finalizamos el visionado estimulados para usar nuestro coco en rellenar todos esos espacios vacíos que se han ido acumulando a lo largo de los 100 minutos de metraje.
En definitiva, un clásico quizá menor, pero que conserva su fuerza aún 40 años después de su estreno.
Un saludete.
Ropit
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Yo la vi hace poco y no me quedé con la sensación de que dejara nada abierto ni ningún vacío que rellenar. Sí es una propuesta madura que, como bien dices, no es maniquea y recrea muy bien ese borde moral del protagonista.
Harkness_666
Son cuatro
Marseille, de Angela Schanelec
Sophie es una turista alemana que pasea por las calles de Marsella, sacando fotos. Allí se hace amiga de un tipo que le alquila un coche antes de regresar a su país, pero algo le impulsará a visitar de nuevo esta ciudad. No sé me ocurre mucho que decir sobre esta película alemana de principios de los 2000. La razón, que no he entendido ni jota. Difícil encontrar una propuesta tan inescrutable… sin surrealismos, sin tramas complejas (todo lo contrario). Lo que ocurre, sencillamente, se asemeja a un puñado de piezas que sólo encajan a martillazos. El primer tercio, sin diálogo, con una puesta en escena depurada, se limita a seguir a una chica en su deambular, captando limpiamente espacios físicos, con el ruido ambiental como única banda sonora… un preciso retrato de la soledad, un encuentro fortuito entre desconocidos que recuerda a un romance indie a lo Linklater, pero a la europea.
Después la “trama” se bifurca, abandonamos a la chica por gente de su entorno, los problemas y malestares cotidianos de una actriz de teatro, de su marido fotógrafo, y a modo de digresión asistimos a extensos fragmentos de sesiones fotográficas y ensayos teatrales. Pero nuestra amiga vuelve a Marsella y allí experimentará un hecho traumático y muy poco claro, dado a entender mediante elipsis. Podemos incluso llegar a cuestionar la veracidad de ciertas partes y se concede cierta importancia al fuera de campo. ¿Qué pretende contar la directora? Sospecho que algo relacionado con la huida de la rutina, el intento por adoptar otras identidades en un entorno ajeno, de apropiarse de él, con consecuencias sin embargo frustradas… pero todo es tan poco claro que sólo puedo especular. Una secuencia de planos de la costa marsellesa, impasible, cierra el film, a modo de inmejorable remate que nos deja definitivamente el culo torcido.
(Dos personajes de la peli... posiblemente intentando entenderla ellos también).
Sophie es una turista alemana que pasea por las calles de Marsella, sacando fotos. Allí se hace amiga de un tipo que le alquila un coche antes de regresar a su país, pero algo le impulsará a visitar de nuevo esta ciudad. No sé me ocurre mucho que decir sobre esta película alemana de principios de los 2000. La razón, que no he entendido ni jota. Difícil encontrar una propuesta tan inescrutable… sin surrealismos, sin tramas complejas (todo lo contrario). Lo que ocurre, sencillamente, se asemeja a un puñado de piezas que sólo encajan a martillazos. El primer tercio, sin diálogo, con una puesta en escena depurada, se limita a seguir a una chica en su deambular, captando limpiamente espacios físicos, con el ruido ambiental como única banda sonora… un preciso retrato de la soledad, un encuentro fortuito entre desconocidos que recuerda a un romance indie a lo Linklater, pero a la europea.
Después la “trama” se bifurca, abandonamos a la chica por gente de su entorno, los problemas y malestares cotidianos de una actriz de teatro, de su marido fotógrafo, y a modo de digresión asistimos a extensos fragmentos de sesiones fotográficas y ensayos teatrales. Pero nuestra amiga vuelve a Marsella y allí experimentará un hecho traumático y muy poco claro, dado a entender mediante elipsis. Podemos incluso llegar a cuestionar la veracidad de ciertas partes y se concede cierta importancia al fuera de campo. ¿Qué pretende contar la directora? Sospecho que algo relacionado con la huida de la rutina, el intento por adoptar otras identidades en un entorno ajeno, de apropiarse de él, con consecuencias sin embargo frustradas… pero todo es tan poco claro que sólo puedo especular. Una secuencia de planos de la costa marsellesa, impasible, cierra el film, a modo de inmejorable remate que nos deja definitivamente el culo torcido.
(Dos personajes de la peli... posiblemente intentando entenderla ellos también).
Como ha empeorado la Richards...
El tiempo no perdona. Y al final, si te operas la cara, a largo plazo perdona menos aún.
