Respuesta: Rodrigo Cortés ficha a Sigourney Weaver y De Niro para su nueva pelicula RED LIGHTS (Luces rojas)
Por si os interesa, "Buried" es uno de los pocos casos en que el audiocomentario del director revela bastantes cosas sobre el estilo de la película.
Es que los audiocomentarios de Rodrigo son una auténtica gozada, y se aprende un montón de cine oyéndole hablar de sus películas (o de las películas de otros).
Una de las cosas que más me gustan de Rodrigo es que nada en la puesta en escena de sus películas es dejado al azar. Cada encuadre, cada movimiento de cámara, cada corte de montaje está pensado al milímetro. Y en sus películas la forma es tan indisociable del fondo que te deja la sensación de que la forma en que ha rodado él la película es la única posible, ya que cualquier cambio que hicieses alteraría radicalmente la intención de la obra.
A uno le pueden no gustar las películas de Rodrigo o su "pedantería estilística". Pero una cosa está bien clara: por cada razón que tú puedas dar en contra de cualquier elemento de una de sus películas, él te sabrá dar cuatro o cinco a favor, y con razonamientos más poderosos seguramente que los tuyos.
"Buried" tiene decenas de ideas visuales brillantes.
¿Ejemplo? (sé a lo que te refieres, que a mi me gustó la peli, pero me interesa analizarlo más en profundidad)
Aquí van unas pocas:
1. El plano subrepticio a través de una rendija desde el exterior de ataúd durante la primera llamada del secuestrador.
2. Los primerísimos planos pegados al cuerpo de Paul durante la segunda llamada del secuestrador, con especial atención al detalle del cuello ensangrentado.
3. El travelling circular durante la conversación con Brenner.
4. Los dos travelling en retroceso hacia el exterior de la caja cuando el protagonista lo da todo por perdido: el que sale por un lateral, y el que sale por arriba mostrándonos un ataúd de profundidad infinita.
5.Cómo la primera secuencia iluminada de la película arranca con un primerísimo plano del ojo de Conroy, provocando una claustrofobia máxima, y a medida que van pasando los minutos el encuadre se va abriendo más y más.
6. Relacionado con la anterior, el modo en que la película va evolucionando de una planificación rígida, estática y cartesiana en los primeros instantes de la película (en los que Paul apenas puede moverse en el ataúd) a los movimientos de cámara libres de ataduras del tercio final (cuando ya se desenvuelve en la caja como pez en el agua).
7. La inteligente utilización de la iluminación para cambiar el tono de cada escena. La luz azul del móvil para las frías conversaciones con los burócratas, la luz verde para la escena de la serpiente, la luz roja para crear un ambiente infernal durante la secuencia del bombardeo o la utilización de la luz amarilla cuando el ataúd se llena de arena.
8. No sólo importa el color de la luz, sino también la posición de la fuente de luz. En la conversación con Davenport, la iluminación desde abajo genera un ambiente de película de terror. En los momentos en los que Brenner le miente a Paul acerca de Mark White están planificados a contraluz, dejandonos intuir las oscuras intenciones del interlocutor. En cambio, en la escena que habla con su madre, la cara de Paul está enteramente bañada por luz cálida.
9. La utilización de la luz no sólo como metáfora de verdad sino como metáfora de la vida. Al respecto, cabe destacar lo bien utilizados que están utilizados los fundidos a negro a lo largo de la historia. Por ejemplo, cuando el stick de luz verde se agota (verde = el color de la esperanza).
10. La escena en la que Paul habla con su madre el encuadre es muy cerrado (escena de carácter íntimo) y su mano tapa gran parte del rostro, como si estuviera protegiéndose de las miradas furtivas de los espectadores. La manera en el que toda la expresividad de la actuación de Reynolds se centra en su ojo es formidable, para mí una de las mejores ideas visuales de toda la película.
11. La escena en la que graba la videollamada para su mujer y su hijo, el brazo extendido de Paul recorre el tercio inferior del plano, tapando el cuello del protagonista y creando una gran mancha oscura en la parte inferior del plano mientras la arena cae a raudales desde la parte inferior. Eso nos crea una sensación de que el protagonista ya está "con la arena al cuello" y que le queda muy poco tiempo de vida, a pesar de que el nivel real de arena en el ataúd es inferior del que psicológicamente percibimos.
12. En esta misma secuencia hay otro detalle que me gusta mucho: cuando Paul le deja el mensaje a su hijo y piensa qué le va a dejar en herencia y no se le ocurre nada, en ese justo instante el plano se desenfoca, en consonancia con su estado de confusión mental.
13. Volviendo a la conversación con Davenport (Tobolowsky), me gusta el plano detalle de los labios sucios de tierra de Paul (coincidiendo con la "suciedad" de las palabras que están saliendo por la boca de su interlocutor). En toda la escena además no vemos los ojos de Paul (ojos = franqueza), a modo de metáfora de lo que están haciendo sus jefes: mirar para otro lado y lavarse las manos como Poncio Pilatos.
14. El movimiento circular de la cámara cuando Paul está asqueado por lo que cree que los terroristas podrían hacer a su familia, transmitiendonos su misma sensación de mareo.
15. El montaje sincopado y los minizooms al rostro de Paul en las escenas en las que está especialmente nervioso y corre a contrarreloj contra las trabas burocráticas.
16. Los detalles del encendedor, la linterna, el móvil siendo sepultados por la arena y anticipándonos el desenlace final. La propia idea del ataud como reloj de arena.
Y ya paro, porque tampoco creo que haga falta hacer un análisis de la peli plano a plano
Concursante. Emergo puede parecer un simple exploit de la actual moda del found footage, pero lo cierto es que el tipo este ya estaba jugando con estas cosas antes de que Myrick y Sánchez aparecieran ni siquiera en escena. 
No cabe duda que Cortés le da mucha importancia a la forma y que, al igual que un De Palma, tiene una cierta tendencia al virtuosismo que pueda distraer del contenido.
), pero creo que Rodrigo ha sido el que ha conseguido acercar más la estructura de su película al auténtico funcionamiento de la mente humana. Lo del sextuple montaje paralelo que remata Concursante tampoco me parece algo que vayan haciendo por ahí todos los directores. 
